Joel Thompson

Joel Thompson

O compositor Joel Thompson tem um dom precioso. Ele possui o que Shinichi Suzuki chamou de um belo coração. Ele é evidenciado em sua música, um grande corpo do qual se concentra na experiência negra, tanto dolorosa quanto alegre. Thompson é especialmente capaz de ver e articular a angústia de um povo que tem sido sistematicamente silenciado. Suas composições falam da precariedade da experiência negra e de traumas recorrentes. Assim, eles estão recebendo muita atenção merecida durante estes tempos tumultuosos. O trabalho de Thompson preenche uma necessidade de música que tenha o poder de abrir a alma e trazer tanto o público quanto o músico a um lugar de maior compreensão e maior capacidade de conexão e cura. Através de sua generosidade, Thompson revisita esse espaço repetidamente no trabalho que produz, dando-nos uma visão para que também nós possamos ver e, mais apropriadamente, sentir a angústia da opressão racial.

Tive o prazer de conhecer Joel em um fim de semana de música de câmara familiar de verão, quando ele ainda era adolescente. Lá, testemunhei um momento improvisado de brincadeira musical entre alguns dos músicos. Já um pianista altamente habilidoso e fluente em gêneros musicais tanto clássicos como de jazz, o que me impressionou então não foi apenas sua versatilidade ou sua virtuosidade, mas sua ânsia de se engajar, de incluir, de fazer sobressair o que há de melhor nos outros. Agora aos 31 anos de idade, o Sr. Thompson teve obras executadas pela Atlanta Symphony Orchestra, Tallahassee Symphony Orchestra, Atlanta Master Chorale, Los Angeles Master Chorale, EXIGENCE, e o San Francisco Gay Men’s Chorus. Sua ópera, The Snowy Day, baseada no clássico infantil de Ezra Jack Keats com o mesmo título, foi programada para ser estreada no início deste ano, mas devido à pandemia da coroa será estreada pela Houston Grand Opera em dezembro de 2021. A composição mais aclamada de Thompson, Seven Last Words of the Unarmed (Sete Últimas Palavras do Desarmado), é uma rara obra-prima musical que ganhou o Prêmio Americano de Composição Coral de 2018. A obra depende das palavras de sete negros desarmados que morreram às mãos da polícia. É portadora, profundamente comovente e profunda.

Preparando-me para a entrevista, ouvi o “Hold Fast to Dreams” de Thompson. Fiquei impressionado com os contrastes—a proclamação de abertura do espiritual negro “Finalmente Livre”, toda a descida do tom do piano à medida que essa proclamação se torna rapidamente diminuída, dissonante, amarga, como a promessa da Reconstrução. As ondulações etéreas que sustentam o sonho, as harmonias abertas e a expansão para os registros superiores, assumem qualidades de um coro sagrado e de um coro grego, testemunhando. O sonho, uma alucinação, efêmera, efêmera, arejada, bela. O tenor e o baixo se unem ao piano seguindo a estridente letra de Langston Hughes, “Será que cheira mal como carne podre? O piano sobe os degraus de uma escala de tons inteira que nos transporta em algum lugar sobre o arco-íris e depois explode em uma cascata enquanto nos agarramos em um reino celestial onde podemos discernir o sonho e sua distorção. Nesta curta obra clássica, que tece elementos de jazz, Broadway e céu, ganhamos uma compreensão visceral das contradições do passado racista da América.

[tamanho=120]Como vocês processam a luta nas ruas neste momento? E como você traduz essa luta para a música que está trazendo para o mundo? [/tamanho]

Bem, eu processo essa luta primeiro como um ser humano, não como um artista. É difícil como um homem negro de processar. Isto vem acontecendo há algum tempo e escrevi muitas peças em resposta às tragédias. Como ser humano, há aquela pancada de dor imediata. Há essa raiva imediata às vezes—muita dor. E então se olha para as próprias paixões, sendo a minha música e sua composição, e se tenta ver como se pode pegar a própria arte e aplicá-la a esta ferida que continua sendo reaberta. “Sete Últimas Palavras” foi escrito há cinco anos. E eu escrevi “Hold Fast to Dreams” e “Caged Birds Sings for Freedom” e qualquer outro número de peças abordando este flagelo da violência e é fácil sentir como se tudo fosse inútil, que tudo isso é inútil porque continua acontecendo. Mas como artista, não posso me agarrar a isso, porque isso me leva ao desespero; e acho que a esperança é uma fonte de minha criatividade, e ainda tenho que me agarrar à esperança. É uma escolha. É uma escolha difícil. Pode até não ser a escolha mais racional, mas espero que minha arte possa continuar a criar um espaço de empatia, um espaço de educação, um espaço de imaginação compassiva.

Neste momento, tem sido difícil não só por causa da dor em resposta à morte de George Floyd e Breonna Taylor e Ahmaud Arbery e Tony McDade e a lista continua; mas também porque estamos em uma pandemia que está afetando desproporcionalmente as comunidades de cor. Isso faz com que você reconheça que o behemoth que estamos enfrentando é o racismo sistêmico e que está embutido no tecido de nossa sociedade. E embora pareça que há um acerto de contas em curso, houve muitos pontos ao longo da história americana em que sentimos que há um acerto de contas. Também podemos nos dar conta de como é fácil ser embalado em uma sensação de complacência e acabar preservando o status quo. Portanto, como artista, estou tentando evitar essas armadilhas e continuar centrando a experiência negra em meu trabalho.

Mas também estou percebendo que é preciso haver um despertar de consciência para a maior parte da América Branca. Precisamos despertar a consciência. Continuo pensando nas fotografias nos cartões postais dos linchamentos e olhando como foi um evento familiar. E as pessoas trouxeram seus filhos para essas coisas. Falamos muito de traumas negros. Penso que, para realmente curar a sociedade, precisamos abordar também o trauma da Brancura.

Não sei se é meu trabalho como artista, mas é algo em que estou pensando, em resposta a este momento presente, que havia crianças presentes nestes linchamentos e estou certo de que essas crianças sabiam em seus instintos que isto estava errado. Mas, quando cada membro nobre de sua sociedade desde o xerife até o pastor e seus próprios pais o trazem a esta coisa, isso justifica a desumanização e o assassinato deste outro ser humano que parece diferente de você.

Penso que minha resposta como artista a este momento atual será tentar desembalar as formas pelas quais a desumanização do povo negro e os mecanismos persistentes de violência contra o povo negro podem persistir por causa de nossa incapacidade de confrontar nossa identidade. Precisamos de introspecção. Precisamos continuar olhando para dentro de nós como nos movemos através deste mundo e olhar para o nosso passado e como isso está informando nosso presente.

Você me pegou em um momento em que continuo voltando a esses cartões postais. Porque essas crianças podem estar em instalações de vida assistida agora mesmo. Mas há um trauma que eles vivenciaram. Se o trauma intergeracional é verdadeiro na experiência negra, e você vê as manifestações disso em nossa experiência vivida, então o mesmo deve ser verdade para nossos irmãos e irmãs brancos. Por que ainda estamos lidando com a mesma luta que pais e avós e bisavós lutaram? Estamos nos recusando a olhar para dentro e a nos responsabilizar e a proporcionar um espaço para a justiça restaurativa. Há muita coisa que nem sei que a arte pode consertar, mas quero fazer parte dessa conversa.

[tamanho=120] É um fardo ser a voz de um povo angustiado e um tempo angustiado? [/tamanho]

Eu realmente não me considero uma voz para todos os negros. A idéia de falar por um povo—embora possa parecer assim na superfície, estou realmente falando por mim mesmo. É tudo o que eu posso fazer.

Mas espero que quando abordar minha arte com honestidade e vulnerabilidade, isso crie espaço para que outras pessoas respondam em espécie com sua própria honestidade e vulnerabilidade.

Se eu quisesse ser uma espécie de porta-voz da revolução, minha música não soaria da mesma maneira. Estou falando com minha própria angústia.

Quero reconhecer que o povo negro não é um monólito, que minha experiência particular de ser negro neste país é muito diferente, dado que meus ancestrais são mais uma parte da opressão colonial no Caribe. E embora eu tenha aprendido a ser negro neste país, ele ainda é diferente do que o dos descendentes americanos da escravidão. Mas o momento atual não respeita nem o legado nem a história. Ninguém vai parar e me perguntar se eu sou jamaicano ou não. Portanto, não sei se eu diria que falo por um povo, falo por mim mesmo, mas ao mesmo tempo, se eu concentrar minha arte de uma forma honesta e vulnerável, espero que ela crie espaço para que outras pessoas tragam sua arte e seus ouvidos e seus espíritos para o que eu criar.

[tamanho=120]Você já teve experiências pessoais que informaram sua compreensão da injustiça social que está no cerne de algumas de suas músicas? [/tamanho]

Sim. Eu escrevi a peça [”Seven Last Words of the Unarmed”] quando eu estava morando em Cuthbert, Geórgia, ensinando em uma pequena faculdade de dois anos. Em Cuthbert, a manutenção das casas, a manutenção das estradas, muda conforme você vai de um lado da cidade para o outro, e é uma cidade de um só lado. É uma diferença muito grande de um lado para o outro—quem vive lá, como são suas casas, que carros são dirigidos, que ocupações são mantidas pelos moradores. E este era o espaço em que eu estava processando a falta de justiça em resposta à morte de Eric Garner. Assim, você pode ver como o meio ambiente desempenhou um papel.

Também fui um dos poucos—talvez dois de nós—professores pretos desta faculdade que era predominantemente negra. Então, por essa razão, meu horário de trabalho estava cheio de alunos que eu nem mesmo ensinava, falando comigo sobre racismo dentro e fora da sala de aula. Um dos meus alunos da minha aula de teoria musical estava distribuindo folhetos para um evento do qual ela fazia parte. Ela estava indo para o motel para colocar panfletos no quadro de avisos; ela foi recebida com gerentes que disseram: “Aqui não servimos a sua espécie”. E isto é 2014.

Quando [meus alunos] iam à Flórida para ir à praia, eles encontravam lojas com placas basicamente dizendo que não era permitido a pessoas negras. Estas coisas persistem nas áreas rurais deste país. Portanto, só estar nessa parte do país desempenhou um papel, sim.

E sim, eu fui detido algumas vezes em passagens rurais escuras, indo de [compras de mercearia em] Albany de volta para Cuthbert. Essas foram experiências assustadoras. Sim, eu fui detido várias vezes em Atlanta. Sim, eu estava bombeando gás em um QT em Decatur e alguém passou em um caminhão e gritou a palavra N para mim sem nenhuma razão, destruindo meu dia. Mas essas coisas acontecem com espaço suficiente no meio que você começa a esquecer, mas não com espaço suficiente no meio para que você ainda se lembre disso em seus ossos.

[tamanho=120]Crescendo, você teve o que as pessoas agora chamam de “a conversa”, dizendo-lhe como se comportar se você tiver um encontro com a polícia?[/tamanho]

Sim, definitivamente. E a conversa—muitas pessoas, agora que a conversa entrou na consciência social, muitas pessoas pensam que é uma coisa única, como os pássaros e as abelhas. Mas a conversa provavelmente aconteceu pelo menos 15 vezes. Há um medo contínuo, especialmente como o filho mais velho, de deixar a casa. Dirigindo pela primeira vez. Saindo do estado pela primeira vez. A conversa era constante. Terminei a do meu mestre e estava dirigindo para Cuthbert. Eu tinha 24 anos e ainda tinha a conversa na época. Isso foi há apenas sete anos.

[tamanho=120]O que lhe deu coragem para perseguir o que alguns poderiam chamar de um campo suave? Você foi encorajado por sua família? E seus sentimentos sobre a música como profissão mudaram com o tempo?[/tamanho]

O aspecto comunitário foi encorajado. Eu joguei para a igreja. Comecei coros e dirigi uma orquestra de cordas na igreja e tudo isso foi encorajado, mas isso não deveria ser uma profissão, mas uma espécie de avocação lateral. Eu também tinha a paixão de fazer parte da cura de alguma forma. E assim como uma profissão, a medicina era um passo lógico. Por isso, eu prossegui com isso na graduação. Eu era pré-médico e também música e tentei sustentar isso o máximo que pude, mesmo tirando um ano de folga após minha graduação para ter certeza de que estava tomando a decisão certa. Fiz sombra ao meu tio que era ob/gyn na Jamaica, fiz o parto de bebês, fiz histerectomias, assisti a cirurgias.

Eu não diria que desisti dos remédios para o outro. Creio que estou praticando medicina em uma escala diferente, em um meio diferente. Eu ainda estou no negócio de tentar curar. Ainda estou no negócio da saúde pública, e acho que uma parte disso está se dirigindo à alma e a música me dá uma oportunidade para fazer isso.

[tamanho=120]Portanto, eu sei que você faz vários tipos de música; como você equilibra seu clássico e seu jazz, e sua música de igreja; e há outras coisas que você gostaria de mencionar nessa mistura?[/tamanho].

Bem, eu acho que quanto mais velho eu fico, mais eu não me importo com as distinções entre os gêneros, mais eu os vejo como limites desnecessários que precisam ser embaçados. Meu amor pelo jazz e pela liberdade de improvisação e a complexidade das harmonias e das nuances emocionais que eles podem projetar, informa meu ofício composicional clássico. Minha experiência em música de igreja realmente me permitiu entrar no ciclo que é a arte criando comunidade e arte criando comunidade. E isso também informa meu ofício composicional de uma maneira muito importante, minha conexão com os modelos litúrgicos realmente informa “Sete Últimas Palavras do Desarmado”, que é baseado nas sete últimas palavras de Cristo. Está tudo conectado. Portanto, não estou mais no negócio de tentar separar a música pela qual sou apaixonado. Tenho playlists que têm Esperanza Spalding seguido por Samuel Barber seguido por Jacob Collier seguido por Kendrick Lamar-everything. Estou no negócio de tentar encontrar a verdade, a verdade capital-T de tudo o que estou escutando. Há tanto que se pode aprender ouvindo música que move minha alma, música que eu amo e até mesmo música que eu inicialmente não amo e cresço a amar. Eu até ouço música que não gosto de ouvir para poder descobrir o porquê. Esse processo me permite aprender sobre mim mesmo e sobre a música.

[tamanho=120]Você sempre operou com esse entendimento e seu sucesso lhe permitiu abraçar essa abordagem?[/tamanho].

Não, eu nem sempre pensei dessa maneira. Há um processo de pensamento que, para entrar em um espaço clássico, é preciso deixar a Negritude à porta. E você deixa sua Negritude ali na soleira e passa e agora você está nos salões sagrados de Beethoven e Brahms e Bach- e isso leva a uma fragmentação do espírito. Mas a razão pela qual nos fragmentamos é real porque se quisermos trazer a Negritude para um espaço clássico—um espaço predominantemente Branco—a questão então se torna: ainda é música clássica? E sabemos que na fibra de nossos seres que se eu trouxesse os ritmos que movem minha alma, se eu trouxesse as harmonias e a maneira como elas se movem através de texturas tão específicas de canto, se um estilo específico ou timbre de canto estivesse sendo usado neste contexto, ainda seria clássico? é a questão. E isso é difícil quando uma parte integrante de quem você é tem que ser deixada à porta antes de entrar neste espaço que você ama, e seu coração fala essa linguagem da música clássica. Então isso me levou a este momento atual em que estou me esforçando ao máximo para não ter meu espírito fragmentado dessa maneira. E embora meu coração fale música clássica, ele também fala uma língua que está embutida no meu DNA e na cultura em que fui criado. Quero trazer todos aqueles que sou para a mesa quando estou criando música. Acho que agora estou na posição bastante precária, pois ainda não tenho certeza se posso trazer tudo o que sou.

As “Sete Últimas Palavras” foram escritas há cinco anos, mas só agora está sendo relativamente aceita. Ninguém lhe tocaria. Há quatro anos atrás, as pessoas arrancaram seus programas e invadiram os prédios quando a peça estava sendo programada. Se eu abrisse as comportas e trouxesse tudo o que sou, espero a mesma resposta agora, porque foi o que aconteceu há quatro anos, cinco anos atrás. Ainda tenho a intenção de me manter fiel a mim mesmo. Ainda pretendo ser tão vulnerável e honesto quanto era há cinco anos, mas estou dolorosamente consciente de um público neste momento. E isso é muito difícil. Estou percebendo a altura das paredes que ergui e que me impedirão de me expressar de uma forma que possa entrar em conflito com os poderes que estão sendo erguidos.

[tamanho=120] Você interiorizou as regras.[/tamanho]*

Sim, eu interiorizei as regras. Foi o que levou ao sucesso na navegação dos espaços brancos. Eu realmente acredito que sim.

[tamanho=120]Você trabalhou com um coro multirracial de jovens em Seven Last Words of the Unarmed (Sete Últimas Palavras do Desarmado). Como os membros do coro recebem seu trabalho, e como é para você trabalhar com eles? [/tamanho]

Trabalhar com o Men’s Glee Club da Universidade de Michigan foi uma experiência interessante e eu estava ciente de que era um coro predominantemente branco em uma instituição predominantemente branca, mas ainda assim o maestro, Dr. Eugene Rogers, era negro. Foi ele quem decidiu estrear a obra, e ambos estávamos preocupados com o que isso iria parecer, com o que isso iria sentir para aprendê-la. Alguns membros do coral decidiram não cantar aquele concerto e não cantar a peça. Alguns acharam que entrava em conflito com sua política, outros acharam que era desrespeitoso para com os policiais. E por qualquer razão, escolheram não se envolver com o trabalho. Aqueles que ficaram, porém, foram introduzidos a uma pedagogia que estava enraizada no foco do Dr. Roger em três elementos: amor, vida e perda. Ele tentou torná-la o mais universal possível, ao mesmo tempo em que ainda era específica para estes homens. E assim, cada membro do coral estava ciente das circunstâncias que envolviam cada morte.

Havia uma discussão franca entre os membros do coral. Alguns membros negros do coral se sentiram um pouco desconfortáveis, porque estamos tão acostumados a trocar códigos de espaço para espaço. As emoções que se carregaria nos espaços negros com a família e amigos e a comunidade lá em casa foram todas repentinamente presentes neste espaço predominantemente branco onde não permitimos que essas emoções estivessem presentes. E assim levou alguns dos membros Negros do coro a me expressarem que estavam desconfortáveis que a peça estava meio que quebrando as barreiras entre seus espaços bem definidos separados que eles atravessam. Mas no final, o Dr. Rogers criou um ambiente de cura, honestidade e respeito, respeitando esses homens.

Mas direi que é comovente ver as palavras destes [sete] homens nos lábios e nos pulmões de pessoas que não estão ligadas à mesma luta de forma tão visceral. É muito, muito comovente. É cura de certa forma, porque esta é uma mensagem que os homens negros vêm dizendo há séculos e para finalmente ver essas palavras escapar dos lábios brancos, parece que finalmente estou sendo compreendido ou sendo ouvido ou escutado. Dito isto, há uma apresentação do Morehouse Glee Club e do Coro de Concertos da Universidade A&M da Flórida junto com a Orquestra Sinfônica Tallahassee. Como dizem os meninos, “Atinge diferentes”. Você pode ver que as pessoas estão cantando e se envolvendo com o trabalho a partir de sua experiência vivida. Esse é um sentimento completamente diferente. Elas estão sentindo as palavras em seus ossos. A composição particular do coro desempenha um papel não apenas na forma como a peça é recebida, mas também como é produzida, como é compartilhada, como é encenada. Eu acho que a música coral proporciona esse espaço para que as pessoas se envolvam em lutas que não são as suas próprias. Acho que isso tem que ser feito de uma maneira muito, muito respeitosa.

Tem havido uma tradição de usar o Black spiritual como uma espécie de bon-bon no final dos concertos corais. Como os arranjos de William Dawson são tão surpreendentes, os arranjos de Harry Burleigh são tão surpreendentes que as pessoas tendem a usá-los como fechadores de concertos, ignorando o contexto histórico e emocional que envolve a criação destas obras, a transcrição destas obras. Sinto que se deve ter mais respeito por estas obras e pela música que nasce da escravidão em uma sociedade que não reconhece os legados da escravidão que persistem até os dias de hoje. Penso que isso é o mínimo que podemos fazer como artistas. Acho que Sete Últimas Palavras é uma continuação, faz parte da genealogia da tradição espiritual, na medida em que estou usando a música para corrigir a condição de existência negra neste país, que é o que os espirituais faziam na época.

E o mesmo respeito e cuidado que se estenderia a cantar “Sometimes I Feel Like a Motherless Child”—fazendo com que você esteja cantando com a nuança correta e honrando a tradição de que ela nasceu fora—o mesmo cuidado deve ser tomado com qualquer música de hoje que esteja respondendo ao trauma Negro. Há uma maneira de fazer isso com desrespeito, e estou muito consciente disso e estive presente em algumas dessas apresentações.

É por isso que o site Sevenlastwords.org tem muitos recursos desenvolvidos pela Professora Margo Schlanger, Dr. Eugene Rogers, Rachil Davids e eu, para encorajar as pessoas a se envolverem com o trabalho e não terem medo de fazer bagunça por qualquer motivo, mas de maneiras em que se possa, respeitosa e saudavelmente, se envolver com a música que está falando do atual trauma negro.

[tamanho=120]Você já viu os membros do coro mudarem como resultado de incorporar a poderosa narrativa de homens negros cujas vidas acabaram em violência racial nas mãos dos Brancos?[/tamanho]

Sim, sim, eu já vi. Muita gente já disse que não pensava nisso [antes]. E eu nem sei se isso é verdade. Acho que o que é provavelmente mais verdade é que é fácil para os não negros escapar da conversa sobre nossa atual existência neste país e o quão precária pode ser às vezes devido ao flagelo da brutalidade policial. Mas a peça cria um espaço onde não se pode fugir dela. Assim, muitos dos membros brancos dos coros que a executaram me agradeceram por criá-la porque o processo de trabalhar e viver com a peça e depois trabalhar para executá-la cria um espaço onde eles não podem escapar de pensar nela. E por isso tenho muita sorte de as pessoas terem estado dispostas a ser vulneráveis e compartilhar isso comigo.

Acho que é preciso reconhecer também como a pandemia desempenhou um papel neste atual balanço porque literalmente nos aprisionou dentro de casa e nos permitiu não fugir da conversa. E eu acho que este cálculo não teria acontecido sem a pandemia porque não há como escapar. Não podemos parar a conversa, dizer “estou muito desconfortável” e ir assistir a um filme, porque você está preso dentro de casa. Muitas pessoas mencionaram experiências transformadoras semelhantes ao se envolverem com este trabalho.

[tamanho=120]Algumas pessoas diriam que o mundo da música clássica não está aberto para os negros de cor, não é acolhedor, ou não faz parte da experiência negra. Você sente que sua música está sendo ouvida pelo público para o qual você a pretende? [/tamanho]

Com as Sete Últimas Palavras não havia um público pretendido, mas tudo o que escrevi desde então, tenho conhecimento de um público. Espero que o público se expanda, que o público não seja apenas o típico público clássico que é predominantemente homogêneo em termos de raça, classe, e muitas vezes, gênero. Espero que minha mera criação musical neste gênero crie espaço para que o público também mude.

Sei que é preciso fazer mais trabalho prático para expandir nosso público e isso se resume à educação musical e ao acesso a essas apresentações. Por isso, não sou ingênuo o suficiente para acreditar que a minha própria composição é, por si só, um defensor o suficiente para mudar a cena musical clássica, o público e o que ela parece. Sei que a educação musical—acesso aos instrumentos, acesso às aulas—são coisas práticas que podem mudar o cenário da música clássica e são coisas em que quero me envolver o mais rápido possível. Agora estou me concentrando em como sustentar uma carreira composicional e terminar uma graduação, mas sim, quero que essas coisas façam parte do meu trabalho artístico para que possamos mudar a aparência do público de música clássica e expandir o escopo dessa forma de arte universal que tentamos afirmar que é.

[tamanho=120]Que conselho você tem para os educadores musicais em relação a esse objetivo?[/tamanho]

Meu conselho está enraizado na base de meu ofício composicional que é a arte de ouvir. Temos que escutar. Temos que ouvir nossos alunos. Temos que ouvir a nossa comunidade. E temos que escutar a nós mesmos. Penso que muitas vezes permitimos que a doutrinação de nossa educação musical atual se interponha no caminho da educação real. Eu subscrevo a pedagogia que permite que o estudante seja seu eu pleno. Para trazer todos aqueles que são para dentro da porta, mesmo que o currículo que temos não dê espaço para eles. Acho que devemos dar espaço e isso requer escuta.

Eu dei uma aula de apreciação musical e o currículo era típico. Chamava-se apreciação musical, mas era realmente apreciação musical clássica. Ele se movia através dos períodos: Medieval, Renascentista, Barroco, Clássico, Romântico, Século XX, etc. E escutei os alunos que vinham para esta faculdade e reconheci que muitos deles vinham de origens onde não tinham idéia da música clássica. Eles não tinham idéia das alegrias e das experiências transcendentes que se pode ter com a música clássica. Então eu tive que ouvi-los e permitir que todos eles entrassem pela porta. E assim estamos estudando o canto gregoriano e estamos olhando para o canto silábico, neumático e melismático, e ao explicar estes diferentes tipos de canto gregoriano, eu o emparelhei com R&B, Há R&B neumático, Há R&B melismático e há R&B silábico. O R&B melismático é o mais popular. E comparei as corridas de melismas no canto gregoriano com até mesmo as árias das óperas barrocas, e comparei as corridas em Mariah Carey e Beyoncé e No Name e quem quer que esteja cantando para que entendam que música é música.

Eu comparei com algo com o qual eles estão mais familiarizados e depois os apontei na direção de algo que eu experimentei como transcendente. Acho que isso é fundamental. Quando estávamos falando de música de programa sinfônico, como Romeu e Julieta de Tchaikovsky, também olhamos para os álbuns conceituais. Olhamos para o To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar e Pink Floyd’s The Wall. A idéia de criar todo um objeto musical que se refere a uma idéia extra-musical não é antiga e não é nova. É intemporal. Tchaikovsky e Smetana, eles estavam fazendo a mesma coisa que Marvin Gaye estava fazendo com What’s Going On. [Eu estava] encontrando uma maneira de conectar diferentes tipos de música a estes mesmos conceitos musicais e encorajá-los como músicos amadores a se engajarem da maneira que acharem melhor, mas também saber que existe um tesouro de conhecimento e verdade e sabedoria e que eles podem ter acesso a ele.

[tamanho=120]Você tem algum conselho para o jovem Joel ou para os pais de jovens crianças negras e marrons que possam estar lendo isto? E, mais universalmente, aos pais e educadores em geral?[/tamanho]

Acho que pais e alunos devem se concentrar no currículo em mãos, concentrar-se em fazer o melhor que puderem com o que lhe for dado. Ainda busque a verdade capital-T que está embutida em cada música com a qual você se envolve. Pense fora do que quer que você seja apresentado simultaneamente. Portanto, suas Sonatinas Clementi ou qualquer outra focalização em torná-las tão surpreendentes quanto você possa. Traga quem você é para a mesa. Expresse-se através dela. Mesmo que não sejam historicamente exatos, ainda assim, deixe-se espaço para essa quantidade de experimentação.

Sinto que a jornada com a música é, em muitos aspectos, uma jornada de autodescoberta, uma forma de aprender sobre si mesmo. Às vezes a pedagogia musical, a educação musical, pode ser apresentada como uma forma muito dogmática e sistemática de apenas seguir as regras. Sempre faça perguntas. Por que eu deveria fazer desta maneira? Muitas vezes você descobrirá que as respostas são corretas—por que você deve começar seus trills barrocos a partir do topo—isso não significa que você deve andar por aí quebrando todas as regras. Pergunte por quê e, se não for satisfatório para você, encontre suas próprias formas de expressão.

Os pais devem incentivar seus filhos a fazer música. Se uma criança traz uma melodia para eles, levante-a! Diga que é incrível! Mesmo que seja algo que você talvez não entenda, é incrível, encoraje isso! Eu tive esse encorajamento. As primeiras coisas que escrevi, as primeiras coisas que arranjei, não puderam ser tocadas. Mas eu ainda estava encorajado. E isso me levou a manter esta jornada de autodescoberta no campo da música e estou muito grato por isso.

[tamanho=120]Você falou em ouvir. Gostaria de terminar com uma citação de Shinichi Suzuki e pedir-lhe que compartilhe seus pensamentos sobre o que ressoa para você: “Ouvir até nos lembrarmos não é suficiente”. Devemos escutar até que não possamos esquecer”. [/tamanho]

Para mim, a parte que mais ressoa é ouvir até não esquecermos. Acho que ouvir é uma arte para si mesma. Ouvir é o que separa os artistas incríveis dos demais. Os melhores coros são os que se escutam melhor uns aos outros. As melhores orquestras são como um organismo uniforme. Eles se escutam tão intensamente uns aos outros. É uma das características não cantadas da criação musical. Muito mais ênfase é dada à performance e todas as coisas que a rodeiam. Mas ouvir como músico é tão essencial—para qualquer ofício a qualquer disciplina dentro dele. Mas também acho que o porquê de eu ser tão atraído por ouvir como uma forma de arte é que é a forma de arte que salvará o mundo. Sei que sou um idealista, mas nós, como sociedade, se pudéssemos valorizar essa arte de ouvir uns aos outros, muitos de nossos problemas seriam resolvidos. Eu realmente acredito sinceramente nisso. Acho que muito do que tem sido curado neste julgamento é que finalmente estamos nos ouvindo uns aos outros. Há muita raiva que está sendo expressa de forma mais saudável do que outras. Mas as pessoas ainda ouviram e é uma parte necessária do crescimento e da cura, assim como os incêndios têm que tirar a vegetação rasteira para que uma nova vida se forme em uma floresta. Assim é ouvir a raiva deste momento atual. E assim espero que a América esteja escutando este momento presente com muita, muita atenção para que não esqueçamos. Esquecemos tão facilmente as lutas do passado e nos encontramos neste interminável ciclo de luta e promessa e depois reentramos no status quo e opressão e depois lutamos pela frente. Se realmente escutarmos este momento presente para não nos esquecermos, acho que a cura é possível.

Joel Thompson* é formado pela Universidade Emory com bacharelado em música e MM em regência coral. Atualmente ele é estudante da Escola de Música de Yale. Em 2017 Thompson foi bolsista de pós-graduação no Ensemble Lab/Projecting All Voices Initiative da Universidade Estadual do Arizona e bolsista de composição no Aspen Music Festival and School, onde estudou com os compositores Stephen Hartke e Christopher Theofanidis e ganhou o Prêmio Hermitage de 2017.