El estudio del Concierto para viola en sol mayor de Georg Philipp Telemann, que se encuentra hacia el final del Libro Cuarto, presenta una oportunidad única para que el intérprete ponga en práctica elementos de la práctica interpretativa históricamente informada, incluso utilizando los instrumentos de cuerda actuales. La práctica del concierto de Telemann a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada requiere la familiaridad con los instrumentos utilizados en vida de Telemann, así como el conocimiento del contexto más amplio en el que se escribió esta obra. Considerado como uno de los primeros conciertos para viola conocidos, presenta un reto formidable pero gratificante para el estudiante de violín. La primera vez que aprendí el concierto de Telemann fue a los 11 años, en mi tercer año de viola, y volví a tocar la pieza en el primer año de instituto, cuando la interpreté con la orquesta de mi escuela. Ahora, como profesional que interpreta con frecuencia tanto violas modernas como barrocas, enseño y practico el concierto de Telemann a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada, con la esperanza de inculcar una profunda apreciación de la música barroca en mis alumnos y en el público.

El primer paso crucial para cualquier intérprete interesado en estudiar una pieza musical a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada es sumergirse en la funcionalidad, el tacto y el sonido de los instrumentos utilizados en la época en que se escribió la música. Telemann, uno de los compositores más prolíficos del Barroco, escribió el Concierto para viola en torno a 1715 para una serie de conciertos semanales mientras vivía en Fráncfort (Alemania). En la época en la que se escribió el concierto, los arcos que utilizaban los intérpretes estaban ligeramente curvados hacia fuera desde el centro del arco, y los arcos tenían más peso en la ranilla. El arco barroco tiene una forma que, naturalmente, favorece al intérprete a la hora de moldear y afinar cada nota. De hecho, el arco era el principal vehículo de expresión en la música de la época barroca, mientras que el vibrato se utilizaba como ornamento o decoración sólo para ciertas notas. Por otro lado, el arco moderno está hecho para la proyección, y el peso del arco moderno se distribuye más uniformemente desde la rana hasta la punta. El diseño del arco moderno se presta a un sonido más uniforme y conectado, y el vibrato tiende a ser la principal forma de expresión. El intérprete que estudia a través de una lente históricamente informada también debe tener en cuenta la diferencia entre las cuerdas de acero actuales y las de tripa que se utilizaban en la época barroca. Las cuerdas de tripa más sensibles (normalmente hechas de tripa de oveja) responden naturalmente a la forma del arco barroco, mientras que tocar con las cuerdas de acero modernas requiere más esfuerzo por parte del intérprete para hacer cualquier tipo de forma con el arco.

El término messa di voce, que, según el diccionario de música de Oxford, se define como el canto o la interpretación de una nota larga que comienza en silencio, se hincha hasta alcanzar el volumen máximo y luego disminuye hasta el tono silencioso original. Para tocar la cuerda en la música de la época barroca, dominar la messa di voce es la clave para dominar el arco barroco. Giuseppe Tartini (1692-1770) escribió la siguiente carta en 1760 a su alumna Maddalena Lombardini:

Tu principal estudio debe ser el uso del arco, para hacerte dueña en la expresión de todo lo que se pueda tocar o cantar. . . Primero, ejercítate en una messa di voce sobre una cuerda abierta, por ejemplo, sobre la segunda, que es la cuerda de re. Comenzad pianissimo, y aumentad el tono por grados lentos hasta fortissimo; y esto debe hacerse igualmente en el arco inferior y en el superior. Empezad a hacer este ejercicio de inmediato y dedicadle por lo menos una hora cada día, aunque en momentos diferentes, un poco por la mañana y otro poco por la noche; y tened siempre presente que éste es, de todos los ejercicios, el más difícil y el más importante. Cuando dominéis este ejercicio. . cada grado de presión sobre la cuerda se volverá fácil y seguro; y serás capaz de ejecutar con tu arco lo que quieras.

No todas las notas de la música de la era barroca se tocarán como una messa di voce, pero la práctica de la técnica ayuda a los músicos de cuerda a dar forma precisa a cada nota con el arco barroco, algunas con un decaimiento, otras creciendo hacia la siguiente nota. Incluso cuando una nota comienza forte, ser capaz de ejecutar la messa di voce permite al intérprete hundir el arco en la cuerda (aunque rápidamente) sin un acento áspero que podría acompañar naturalmente a un forte similar tocado con un arco moderno.

¿Cómo puede el intérprete actual adquirir experiencia con un arco barroco y cuerdas de tripa? La mayoría de los estudiantes no tienen acceso, especialmente en el mundo socialmente distante de hoy. A veces pido a mis alumnos que sostengan sus arcos a cinco o seis pulgadas por encima de la rana mientras tocan un pasaje del concierto de Telemann.

Aunque la forma física del arco barroco y la capacidad de respuesta de las cuerdas de tripa no se dan en este experimento, el peso extra del arco cerca de la mano del intérprete obliga a los dedos de la mano derecha a ser más flexibles. Esta nueva destreza permite al intérprete practicar la messa di voce con el arco moderno mientras sostiene el arco más cerca de la rana como es normal.

A continuación se detalla un ejemplo en el que utilizo la práctica de la messa di voce para dar forma a una frase en el contexto de un tempo lento.

En el tercer movimiento del concierto para viola de Telemann, doy forma a la frase de apertura hacia el tiempo muerto del primer compás, y de nuevo hacia el tiempo muerto del segundo compás. He detallado qué tipo de dirección doy a cada nota con las líneas dibujadas debajo de las notas. Los arcos del manuscrito de Telemann están dibujados sobre las notas como referencia.

*La “messa di voce” no es simplemente una técnica que hay que dominar para los tempi más lentos de la música barroca. A continuación se muestra un ejemplo de cómo doy forma a una frase utilizando el arco en la apertura del cuarto movimiento del concierto:

En ambos ejemplos, la curva del arco barroco permite al intérprete evitar los comienzos bruscos de las notas y favorece el movimiento circular de la muñeca derecha cuando el intérprete hace la transición a un arco descendente desde un arco ascendente o una nueva toma del arco. Si el intérprete tiene en cuenta estas ventajas naturales al utilizar un arco moderno, cada nota cobrará vida con resonancia y forma.

El estudio del concierto de Telemann a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada también implica la investigación del contexto más amplio de otra música escrita en la era barroca. Gran parte de la música escrita en Europa Occidental en la época de Telemann se escribió para la danza, que se componía de una combinación de pasos grandes y pequeños, con el paso más grande normalmente en el primer tiempo de cada compás. Por lo tanto, incluso en la música barroca de Europa Occidental que no fue escrita directamente para la danza, el primer tiempo de cada compás es generalmente enfatizado, con los otros tiempos del compás cayendo o conduciendo al siguiente primer tiempo. Con el arco barroco curvado en mente, la intérprete puede utilizar su familiaridad con la messa di voce para crear un énfasis redondo en el tiempo fuerte, mientras deja que el arco haga golpes más pequeños y ligeros para los tiempos más débiles. El intérprete también debe distinguir una jerarquía de tiempos fuertes dentro de las frases más largas. Por ejemplo, en la apertura del primer movimiento, el intérprete generalmente evitaría un acento al principio, llevaría ligeramente al compás 10 pero luego llegaría realmente al tiempo de bajada del compás 12, todo ello manteniendo las notas resonantes y ligeras, como si se tratara de una danza solemne.

El público de Telemann estaría familiarizado auditivamente con una determinada estructura musical. Por lo tanto, los cambios armónicos sorprendentes o inesperados eran la forma en que compositores como Telemann infundían dramatismo a sus obras y captaban la atención de sus oyentes. Los intérpretes de hoy también pueden destacar estas notas “extrañas” para inspirar dramatismo y expresión. Por ejemplo, en el compás 9 del tercer movimiento del concierto de Telemann, el si bemol es una nota totalmente inesperada en la tonalidad del movimiento (mi menor). Telemann utiliza este si bemol para resolver un acorde de sol menor. A continuación, Telemann repite el si bemol en el compás 10, esta vez utilizándolo para aumentar la tensión hasta llegar a la tónica de si menor. El intérprete puede resaltar las intenciones de Telemann sacando a relucir estas notas especiales con una combinación de delicadeza de la mano izquierda y la derecha.

Por último, en la época en que Telemann escribía su concierto para viola, compositores como Bach escribían música altamente contrapuntística para instrumentos de cuerda solistas, con notas en todos los registros del instrumento dispuestas como si en realidad estuvieran tocando dos, tres o incluso cuatro instrumentos en lugar de uno solo. Ejemplos de ello son las Suites para violonchelo de Bach, BWV 1007-1012 y las Partitas y Sonatas para violín solo, BWV 1001-1006. Ambas han sido transcritas para viola sola.

Las obras para solista de Bach son importantes para que el intérprete las tenga en cuenta al estudiar el concierto de Telemann, debido al predominio del contrapunto entre dos o más “voces” en varios pasajes. En el siguiente ejemplo del segundo movimiento, dos voces se distinguen entre sí en el compás 45 y finalmente se reúnen de nuevo en el tiempo muerto del 52. El intérprete puede sacar estas diferentes voces con diferente peso y velocidad del arco, teniendo en cuenta la curva y el peso del arco barroco.

Al final del cuarto movimiento, el intérprete puede distinguir entre tres voces separadas L (inferior), M (medio) y T (superior), como se muestra a continuación.

Estar familiarizado con el estilo de otras obras escritas en la época barroca informa al intérprete de los elementos a destacar en el concierto de Telemann, como la fuerte conexión con la danza, así como las tendencias contrapuntísticas.

El estudio del concierto de Telemann a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada ofrece al intérprete una oportunidad gratificante para dar vida a la obra en los instrumentos actuales. Armado con el conocimiento del contexto musical y la funcionalidad de los instrumentos de época, el intérprete puede dar con confianza una interpretación fresca e investigada a cualquier pieza musical.